El rocksteady surgió en Jamaica a mediados de los años sesenta, como una evolución natural del ska, pero con un pulso más relajado y un enfoque más íntimo. Mientras el ska se movía al ritmo acelerado de los vientos y las cuerdas punteadas, el rocksteady bajó el tempo, permitiendo que el bajo tomara un papel más prominente y que las armonías vocales se volvieran más suaves, más cercanas. Fue un reflejo de su tiempo: las calles de Kingston estaban calientes, el país había alcanzado la independencia reciente, y la juventud buscaba una música que expresara tanto el amor como la tensión social.
Los bajistas empezaron a caminar con más libertad por el compás, dibujando líneas melódicas que antes apenas se insinuaban. Las guitarras adoptaron un rasgueo más espaciado, casi conversacional, y los vientos, antes tan ruidosos en el ska, se retiraron a un segundo plano o desaparecieron por completo. Las letras, por su parte, dejaron de hablar solo de fiestas y bailes para tocar temas como el desamor, la pobreza y la vida en los barrios marginales. Grupos como The Paragons, The Melodians o Alton Ellis, considerado por muchos el “padre del rocksteady”, le dieron forma a este nuevo sonido, más sensual, más humano.
Aunque su auge fue breve —apenas un par de años antes de que el reggae lo reemplazara como la voz dominante de la isla—, el rocksteady dejó una huella profunda. Fue el puente entre la energía desbordante del ska y la conciencia social del reggae, y en ese espacio intermedio, entre 1966 y 1968, Jamaica respiró al ritmo de una música que prefería susurrar antes que gritar. Hoy, décadas después, sigue resonando en los bajos de los sistemas de sonido, en las voces de los tríos callejeros y en la memoria colectiva de quienes entienden que a veces, para avanzar, hay que desacelerar.
Aunque el rocksteady tuvo una vida corta en los charts, su eco se prolongó mucho más allá de los tocadiscos. En la literatura jamaicana, su atmósfera íntima y callejera inspiró a escritores como Roger Mais y más tarde a autores de la diáspora, que encontraron en sus letras una forma de retratar la cotidianidad con poesía sin artificios. Las historias de amores fallidos, promesas rotas y sueños truncados que resonaban en canciones como “Rock Steady” de Aretha Franklin —que tomó el nombre aunque no el sonido— o “Take It Easy” de Hopeton Lewis, se convirtieron en metáforas vivas para narrar la complejidad emocional de una sociedad en transición.
En el cine, el rocksteady no tuvo cabida directa en grandes producciones durante su apogeo, pero sí dejó su impronta en la estética sonora de películas posteriores que buscaban evocar la Jamaica de los sesenta. Películas como The Harder They Come (1972), aunque dominadas por el reggae, respiran ese mismo aire urbano que el rocksteady ayudó a moldear. Escenas de barrios, mototaxis, bailes clandestinos y amores efímeros están impregnadas del espíritu que el rocksteady supo capturar antes que nadie: melancolía con elegancia, resistencia con suavidad.
La moda de la época también se vio tocada. Los hombres del rocksteady se vistieron con trajes ceñidos, botas puntiagudas y sombreros de ala corta, heredados del rude boy, esa figura rebelde pero estilosa que habitaba los márgenes de Kingston. Las mujeres, por su parte, adoptaron vestidos ajustados, peinados altos y un aire de sofisticación que contrastaba con la crudeza de su entorno. Esa estética no solo definió una generación, sino que volvió a resurgir décadas después en movimientos revivalistas y en colecciones de diseñadores que buscaban esa mezcla de rebeldía y refinamiento.
Musicalmente, su legado es aún más palpable. El rocksteady fue el laboratorio donde el reggae afinó su lenguaje: el bajo más prominente, los espacios entre los golpes de batería, las armonías vocales en capas. Sin él, el sonido de Bob Marley habría sonado distinto, más apresurado, menos introspectivo. Pero su influencia no se detuvo en el Caribe. Artistas soul y R&B estadounidenses como Al Green o D’Angelo bebieron de su cadencia pausada. Incluso en el trip-hop británico de los noventa, en los bajos envolventes de Massive Attack o Tricky, se puede escuchar ese eco del rocksteady: lento, sensual, cargado de sombra y luz. Y en el revival actual del sonido jamaicano, desde Nueva York hasta Tokio, hay bandas que vuelven al rocksteady no como nostalgia, sino como acto de resistencia rítmica en tiempos de prisa.
El sonido del rocksteady se construyó con pocos elementos, pero cada uno cargado de intención. A diferencia del ska, que se apoyaba en vientos estridentes y ritmos acelerados, el rocksteady despojó la música hasta su esencia, dejando al bajo y la batería como columna vertebral. El bajo eléctrico, antes relegado a un rol de acompañamiento, se convirtió en protagonista: sus líneas melódicas, profundas y caminantes, marcaban la dirección emocional de cada canción. Músicos como Jackie Jackson o Lloyd Parks tejieron patrones que no solo sostenían el ritmo, sino que dialogaban con la voz, como si el instrumento tuviera algo que decir.
La batería, por su parte, adoptó un enfoque más contenido. El hi-hat se cerraba en tiempos suaves, y el bombo marcaba el primer y tercer tiempo con una presencia firme, pero nunca agresiva. El redoblante, antes tan activo en el ska, se retiró a un segundo plano, tocado con cepillos o con golpes secos que apenas rozaban el aire. Todo en la percusión buscaba espacio, respiración, dejando huecos en los que cabía el silencio —y en esos silencios, la tensión.
La guitarra eléctrica se volvió más sutil. En lugar de los punteos rápidos del ska, adoptó un rasgueo espaciado conocido como “chop” o “skank”, pero más relajado, casi como un latido distante. A menudo se usaba con el volumen bajo y el tono limpio, sin distorsión, como si no quisiera llamar la atención, sino sostener el ambiente. A veces, una guitarra rítmica y un piano eran suficientes para completar el paisaje: el piano, cuando aparecía, no adornaba, sino que reforzaba los acordes con bloques suaves, casi como un eco del bajo.
Los vientos, tan centrales en el ska, casi desaparecieron. Si estaban, era para subrayar un puente o dar un toque de melancolía en una introducción, nunca para acaparar. Y en medio de todo, las voces —ya fueran solistas o tríos— se movían con una fluidez nueva, aprovechando el espacio que la instrumentación más pausada les ofrecía. Así, con pocos instrumentos y mucha sensibilidad, el rocksteady creó un sonido que no necesitaba alzar la voz para ser escuchado.
Es todo por hoy.
Disfruten del mix que les comparto.
Chau, BlurtMedia…
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